La categoría de mejor actor de reparto en los Oscar está dominada por los veteranos: Christopher Plummer (Beginners) y Max Von Sydow (Tan fuerte, tan cerca), dos octogenarios que nunca han ganado el Oscar; Nick Nolte, que la Academia ha tenido el detalle de recuperarle con una película que ha pasado sin hacer ruido (Warrior); y Kenneth Branagh, que recrea a Laurence Olivier (Mi semana con Marilyn). Completa el quinteto el supersalido Jonah Hill en su gran primer papel dramático (Moneyball).
“Beginners (Principiantes)”
Christopher Plummer.
Christopher Plummer ha conseguido la dura tarea de arrastrar la posible nominación a esta categoría desde mediados del año pasado, cuando se estrenara la irregular Beginners. No es para menos, pues su magistral trabajo de este anciano recién enviudado que decide salir del armario y disfrutar la vida como nunca lo ha podido hacer hasta ahora, frente a su hijo al borde de la depresión al encadenar ruptura tras ruptura, solo le ha reportado buenas críticas y elogios por doquier, además de premios como el Globo de Oro al mejor actor secundario en la pasada edición de los premios. Así pues, Plummer parte desde una posición privilegiada a la que añadir su veteranía, pero comparte categoría con otros tres pesos pesados de la interpretación, además de con una de las mayores revelaciones del año.
“Moneyball: Rompiendo las reglas”
Jonah Hill.
Si alguien hubiese comentado hace cuatro años que Jonah Hill, recién lanzado al estrellato por el éxito comercial de Supersalidos de Greg Mottola, iba a ser nominado a un Oscar en menos de un lustro, muchos nos hubiérmos llevado las manos a la cabeza. Y la verdad es que la carrera que ha tenido el californiano, incluyendo títulos como Paso de ti o Todo sobre mi desmadre, no ayudaba a quitarnos la imagen que tenía el actor de comparsa cómico bastante limitado interpretativamente. Pero quizá el excelente texto de Sorkin y Zaillian o una correcta dirección por parte de Bennett Miller (Capote) hayan sido los elementos que hayan sacado de Hill por primera vez una actuación sorprendente. Su Peter Brand sigue siendo el perdedor que ha interpretado el actor en muchas de sus películas, pero dotado en esta ocasión de una contención y humanidad que hace del personaje alguien cercano y creíble y que se convierte en muchos pasajes en los ojos a través de los cuales el espectador presencia la historia. Sólo por la escena en la que Brad Pitt le obliga a despedir a un jugador, la nominación está más que justificada.
“My week with Marilyn”
Kenneth Branagh.
Que Simon Curtis escogiera a Kenneth Branagh para interpretar a Lawrence Olivier en Mi semana con Marilyn no puede ser explicado por su parecido físico. Básicamente porque no tienen ninguno. Sin embargo, hay un cierto paralelismo entre las carreras de Olivier y Branagh: ambos son dos actores y directores de pura casta teatral británica que se han recorrido Shakespeare del derecho y del revés y que, al alcanzar la madurez perdieron relevancia en el panorama cinematográfico. Además, como dice el personaje de Eddie Redmayne, Olivier (y Branagh, añadimos) era "un gran actor que querría ser una estrella de cine". En la cinta que nos ocupa, Branagh hace todo tipo de esfuerzos por paliar su poca similitud física con un cuidadoso estudio de la voz y los movimientos. Un trabajo concienzudo que, en última instancia, queda apagado por un guión que, ocupado en hurgar en Marilyn, olvida indagar más en Sir Laurence. Es la quinta nominación de Branagh pero nada indica que éste vaya a ser su Oscar.
“Tan fuerte, tan cerca”
Max von Sydow.
Si hablamos de deudas y premios, el veterano actor sueco Max von Sydow debe de ser uno de los intérpretes que figuren en cabeza de lista. A sus 82 años y con 145 películas en su filmografía, que incluye una larga y fructífera colaboración con el director Ingmar Bergman —13 películas que le proyectaron a nivel internacional—, sólo ha estado nominado dos veces en estos premios, y la primera no le llegó hasta 1987 con Pelle, el conquistador, de Bille August. Como superviviente de la Segunda Guerra Mundial, parece que ha volcado esa traumática experiencia —aparte de su proverbial credibilidad, su aplomo y su capacidad para expresar las emociones más profundas con el mínimo diálogo—, en el personaje del casero en Tan fuerte, tan cerca, un exiliado alemán que vio cómo toda su familia y su novia morían calcinados en el ataque aliado a Dresde durante la guerra y que le dejó en estado de shock, una víctima de uno de los peores y más cruentos ataques del siglo XX que tiene que lidiar con uno de los peores y más cruentos ataques del incipiente siglo XXI. Este shock le ha dejado cicatrices de por vida, pero es esta experiencia traumática precisamente la que le permite sentir verdadera empatía y afinidad con ese niño que pierde a su padre en los atentados contra las Torres Gemelas.
“Warrior”
Nick Nolte.
Nick Nolte afronta con esta su tercera nominación al Oscar, siendo la primera como actor secundario. En esta ocasión es candidato al premio por su papel en Warrior, película en la que interpreta a Paddy Conlon, un antiguo boxeador que perdió a sus dos hijos y a su mujer por sus problemas con el alcohol. Tras el regreso de uno de sus hijos para competir en el torneo de artes marciales mixtas, Paddy intentará recuperar la relación con lo que queda de su familia. El personaje de Nolte está medido a la perfección para él, pero peca de los mismos errores que podemos encontrar en el conjunto de la película, y es que está cargado de estereotipos y resulta demasiado predecible. A pesar de realizar una actuación más que solvente y de regalarnos algunas escenas cargadas de tensión contenida (las más brillantes las comparte con Tom Hardy) que hacen merecida esta nominación, las limitaciones que supone cargar con un personaje tan poco original provocan una desagradable sensación de déjà vu.
Mejor Actriz de Reparto
arrancamos aquí la batería de análisis de los candidatos a los Oscar, fijando la vista sobre la categoría de mejor actriz de reparto. El quinteto lo encabeza Octavia Spencer (Criadas y señoras), intratable hasta ahora en la mayor parte de los premios del año. Junto a ella aparecen su compañera de reparto Jessica Chastain (que tenía otras seis películas con la que resultar nominada), la autoparódica Melissa McCarthy (La boda de mi mejor amiga), una travestida Janet McTeer (Albert Nobbs) y la chispeante Bérénice Bejo (The Artist).
“Criadas y señoras (The help)”
Octavia Spencer.
La quinta candidata parte a priori como la gran favorita a llevarse el Oscar después de haber logrado muchos de los galardones previos de la temporada. La historia de Octavia Spencer es la historia del sueño americano hecha realidad. Nacida en Alabama, desde pequeña luchó a brazo partido por convertirse en una actriz de Hollywood. Su primera oportunidad le llegó con un pequeño papel en Tiempo de matar (1996) y desde entonces suma otros 92 trabajos en cine y televisión, según recopila IMDb. Es así como Spencer ha limado y pulido su capacidad interpretativa, trabajando en cada pequeña ocasión que se le cruzaba por el camino, esperando que algún día la oportunidad fuera grande. Y cuando al fin llegó, se ha agarrado tan fuerte a ella que prácticamente la ha hecho subir ya a recoger un Oscar. Esa oportunidad que recoge la cosecha de tantos años de esfuerzo se llama Minny Jackson, su personaje de Criadas y señoras, una mujer fuerte, resoluta, tosca, de buen fondo y malos modos. Puede que haya algo tópico sobre el papel, pero Octavia Spencer lo llena de humanidad y verdad hasta el punto que es ya difícil imaginar a la una sin la otra.
“Criadas y señoras (The help)”
Jessica Chastain.
Apenas cuatro años después de su primer papel en el cine, Jessica Chastain consigue una nominación al Oscar y remata así un año tan prolífico como exitoso. En este 2011 ha estrenado nada menos que siete películas: La deuda, Take Shelter, Coriolanus, El árbol de la vida, Criadas y señoras, Wilde Salome y Texas Killing Fields. La candidatura a la estatuilla le ha llegado finalmente por Criadas y señoras, en la que se mete en la piel de Celia Foote, un ama de casa muy peculiar que poco o nada tiene que ver con el prototipo de esposa y señora que predomina en Misisipí. Chastain consigue crear a la perfección un personaje excéntrico a la par que natural y, sobretodo, muy creíble, logrando traspasar la pantalla con las emociones de Celia. La dificultad de su personaje, cargado de altibajos, así como haberse postulado como uno de las principales revelaciones del año, hacen de Chastain una candidata al premio que no podemos descartar.
“La boda de mi mejor amiga”
Melissa McCarthy.
Melissa McCarthy afronta con esta su primera nominación al Oscar y lo hace sin muchas posibilidades de hacerse con la estatuilla. Pero el hecho de ver reconocido su trabajo por esta película bien podría considerarse ya un gran premio. La boda de mi mejor amiga cuenta con un elenco de actrices en estado de gracia y con una capacidad innata para provocar la carcajada, y entre todas ellas McCarthy consigue destacar y hacerse dueña y señora de algunas de las escenas más cómicas de la película. Interpretando a Megan, se atreve con todo y se convierte en una mujer vulgar, tosca, grosera y desvergonzada, y lo hace a las mil maravillas, caminando durante todo el metraje entre lo desagradable y lo hilarante. Si se entregara un premio a la mejor robaescenas del año, probablemente McCarthy tendría muchas más opciones.
“Albert Nobbs”
Janet McTeer.
El papel de Janet McTeer en Albert Nobbs supone lo mejor y lo peor de esta película. Lo mejor, pues es la única actriz con una interpretación sobresaliente de la mediocridad dominante en la película de Rodrigo García sobre este drama femenino en una sociedad eminentemente masculina, y lo peor pues, al ser un personaje en la misma situación que el de la protagonista Glenn Close, se pierde el componente de singularidad en la historia, y todo lo que resultaba novedoso y sorprendente al principio se vuelve reiterativo y aburrido a partir de entonces. En cualquier caso, ésta no es su lucha, la lucha de McTeer es la de haber conseguido rascar esta merecidísima nominación y, sobretodo, intentar por todos los medios conseguir el que probablemente podría llegar a ser el único premio para su film.
“The artist”
Bérénice Bejo.
Bérénice Bejo, bonaerense de nacimiento, criada en Francia y madre de los dos hijos del director Michel Hazanavicius, tras comenzar su carrera en la televisión gala en los noventa, fue nominada al César como mejor actriz revelación en el 2000 por la comedia Meilleur espoir féminin, y a pesar de aparecer en alguna superproducción de Hollywood como Destino de caballero, nunca llego a despuntar. Pero gracias al talento y la visión de su marido ahora está en boca de todos gracias a su Peppy Miller, reflejo de todas aquellas muchachas ilusionadas que llegaron a California en los años treinta con el sueño de llegar a ser grandes estrellas de la pantalla. Su expresividad, su boca grande, sus gestos dulces, nos hacen evocar a aquellas actrices emblemáticas, desde Norma Shearer a Irene Dunne. Por desgracia, a pesar de un trabajo impecable, no parte como favorita, pero confiamos en que el hecho de haber participado en este tierno homenaje al cine sea el detonante para que volvamos a verla nominada muy pronto.
Como cada año, en esta edición toda la atención se centra en la categoría de texto adaptado, lo que da lugar a que la mayoría de sorpresas se den en la sección de guion original. Este año, además de volver a ver a Woody Allen nominado, tenemos dos candidatas opuestas en género pero escritas con igual pericia y acierto. Las dos película restantes son dos producciones extranjeras que barren premios allá donde pisan, y en esta ocasion les toca batirse: The Artist; y el primer guión escrito en farsi nominado a los Oscar, Nader y Simin, una separación.
Mejor Guion Original
“Nader y Simin, una separación”
Asghar Farhadi.
La gran sorpresa de esta categoría es la nominación de Asghar Farjadi por el guión de Nader y Simin, una separación. El primer texto escrito en farsi en hacerse con un hueco en esta categoría bien lo vale: El desgarrado drama de una familia que planea abandonar su país en busca de una vida mejor y se ve inmersa en pleno proceso de divorcio al descubrir que el padre de él tiene Alzheimer es un milimétrico y certero análisis y radiografía del mundo islámico que menos conocemos en occidente y que quizá por eso haya sorprendido tanto en su carrera, comenzada hará un año en la Berlinale de 2011. Nader y Simin está repleta de dilemas sociales, religiosos y legales, dilemas que solo tienen sentido dentro de la sociedad iraní, pero que conducido magistralmente por un guión de hierro, teje un entramado de sentimientos entre personajes y entre el espectador, que atrapan al público y los convierten durante poco más de dos horas en mudos testigos de la vida de una familia que podría ser perfectamente la propia, aunque con reglas alejadas de las nuestras. Tan alejado de la cinematografía iraní como cercano a la cinematografía occidental y después de los premios cosechados, Nader y Simin parte en la pole position en estos Oscars, y no sería descabellado pensar que se llevara el premio.
“Margin call”
J.C. Chandor.
Una de las sorpresas de esta candidatura es la nominación a Margin Call. Con la poca presencia que ha tenido esta película en los premios, pocos pronosticaban que pudiera incluirse en alguna categoría, no por falta de méritos, sino por el peso en la carrera a los premios. Con un discreto paso por las pantallas, Margin Call trata el tema de la crisis actual con una formas de thriller que infunden más pavor a la crítica situación actual mediante la narración de las 24 horas previas al inicio de la crisis en la vida de ocho empleados de un banco. Un escalofriante relato de tramas enmarañadas, jerga económica y personajes reales y verosímiles que acercan un poco más un problema actual y conforman un perfecto thriller más que nunca basado en hechos reales. http://www.roadsideawards.com/MarginCall_Final.pdf
“La boda de mi mejor amiga”
Kristen Wiig y Annie Mumolo
A pesar de muchas sorpresas y estupefacciones al ver esta candidata a mejor guión original, La boda de mi mejor amiga está aquí por méritos propios. La comedia más salvaje y macarra de la temporada llega con posibilidades de dar la sorpresa gracias a su descaro, sus atrevimientos y su perfecto conocimiento de los mecanismos del humor. Esta es la primera nominación al Oscar de Kristen Wiig y Annie Mumolo, dos principiantes en estas lides, que se han curtido a la perfección en sus experiencias como stand-ups, otorgando a la comedia las dosis justas de sutilidad y brocha gorda combinadas en una estructura con tempo calculado al segundo. La boda de mi mejor amiga no solo sabe hacer reír, sino que sabe hacer reír bien, que es bastante más meritorio. http://www.universalpicturesawards.com/assets/bridesmaids/pdf/BridesmaidsScreenplay.Final.pdf
“The artist”
Michel Hazanavicius.
El francés Michel Hazanavicius recoge con ésta una de sus tres nominaciones a los Oscar de este año. Partiendo de la base del homenaje como leit-motiv creativo de esta película, podemos asegurar sin miedo a equivocarnos, que el director francés no solo es un cinéfilo empedernido, un amante del cine, sino que es un erudito de la historia del cine. Como ya pasara en sus OSS 117, el tratamiento de la historia se acota en los límites del género y la estética, dejando únicamente algún recodo contemporáneo para la posproducción y el montaje que le permitiera adecuarla al subsconsciente del espectador actual sin defenestrar en demasía su personal homenaje, pero consiguiendo de este modo que la experiencia de ver su película en pantalla se asemeje lo más posible a la experiencia original, sin imitar, unicamente homenajeando con amor cinéfilo. El acierto es claro y evidente, el público y los premios le dan la razón a The Artist. http://www.twcguilds.com/assets/screenplay/the-artist.pdf
“Midnight in Paris”
Woody Allen.
El maestro Allen vuelve a esta categoría por decimoquinta vez (y con dos oscar como guionista en su haber) con una de sus película más exitosas de los últimos años. Midnight in Paris es puro Allen, en diálogos, ironías y segundas lecturas, así como en planteamiento, estructura y desenlace: la simple historia de una pareja en crisis da lugar a un sinfín de situaciones con París y su historia como telón de fondo para terminar de tejer un fabuloso mosaico sobre el ser humano, sus grandezas y sus miserias. El guión de Allen es original, divertido, agradable con el espectador y, sobretodo, ligero, algo difícil de conseguir trabajando con temas tan grandilocuentes como el Síndrome de la Edad de Oro.
Mejor Guion Adaptado
Es cuando menos curioso que de las nueve películas nominadas a mejor película en los Oscars de este año, sólo cinco de ellas sean candidatas en la categoría de guión, dos originales y tres adaptados. Eso significa que se han quedado fuera apuestas que se consideraban casi seguras como Criadas y señoras y que otras cintas como War Horse o Tan fuerte, tan cerca no gozan de demasiado apoyo. Sólo por eso, en la categoría de guión adaptado, tres candidatas parten con más opciones, aunque todos son trabajos sobresalientes.
“Los descendientes”
Alexander Payne, Nat Faxon y Jim Rash.
Esta es la tercera nominación de Payne como guionista, tras haber conseguido el Oscar hace siete años por Entre copas. Los actores televisivos Nat Faxon (Joey) y Jim Rash (el decano de Community) tenían desde el 2008 el guión de Los descendientes, adaptación de la primera novela de la hawaiana Kaui Hart Hemmings, dando vueltas por los estudios de Hollywood. Hasta que Payne se involucró en el proyecto dejando su impronta: el resultado, como en todo el cine de Payne, es un relato emotivo envuelto en la apariencia de una historia sencilla y cotidiana. Los personajes y sus acciones se nos hacen cercanos y son creíbles todo el rato. Todo resulta pertinente. Una nueva muestra de la sutilidad de Payne para lograr emocionarnos y que merece alzarse con la victoria. http://www.foxsearchlight.com/fyc/media/uploads/films/the-descendants/script.pdf
“El topo”
Bridget O’Connor y Peter Straughan.
Fue toda una sorpresa oír el nombre del matrimonio inglés formado por Straughn y O'Connor siendo nominados por su guión adaptado de la novela de John Le Carré El topo, en lugar del de Tate Taylor por Criadas y señoras. Y de llevárselo probablemente se convertiría en uno de los momentos más emotivos de la ceremonia cuando Straughn subiese solo a agradecérselo a su recientemente fallecida esposa. Pero por desgracia la falta de presencia de la película en el resto de categorías importantes lo hace altamente improbable. Y es una lástima porque se trata de un guión sutil y absorbente que convierte a El topo en una de las mejores cintas del género de espías jamás rodadas. La dosificación de la información, la construcción de la tensión... todo conforma un guión redondo. http://www.focusawards2011.com/workspace/ttss-screenplay.pdf
“Los idus de marzo”
George Clooney, Grant Heslov y Beau Willimon.
Otro caso de gran nombre de Hollywood que se interesa por el trabajo de dos guionistas y aporta su granito de arena. Para Clooney ésta es su segunda nominación como guionista, tras la de la magnífica Buenas noches y buena suerte; Grant Heslov es un eterno secundario visto en cintas como Mentiras arriesgadas y Beau Willimon es un escritor teatral cuya obra, "Farragut north", decidió adaptar con la ayuda de Heslov, lo que se convertiría en el guión de Los idus de marzo. Seguramente la carga política es lo que más interesaría a Clooney del proyecto, pero en lugar de querer mandar un mensaje amable y optimista, el resultado es una dura crítica al sistema electoral estadounidense, dejando a demócratas y republicanos a la altura del betún. Quizá por eso la película no ha gozado de más éxito, porque es difícil que contente a la gente. A pesar de que es un libreto muy notable, el hecho de que sea la única nominación de la película deja el premio por imposible. http://www.sonypictures.com/movies/academy/media/idesofmarch-screenplay.pdf
“La invención de Hugo”
John Logan.
Logan, el único nominado en solitario este año, consigue con ésta su tercera candidatura tras las de Gladiator y, también con Scorsese, El aviador. No era tarea sencilla llevar a la gran pantalla la cuarta novela del ilustrador Brian Selznick, narrada principalmente a través de las 284 ilustraciones que hay a lo largo de sus páginas. Con una historia en la que importa tanto la imagen como la palabra parecería que el trabajo del guionista está ya medio hecho, pero Logan es capaz de mantener toda la magia y el espíritu nostálgico de un libro que abre a su autor las puertas al Olimpo de autores universales infantiles como Antoine de Saint-Exupéry o Maurice Sendak.
“Moneyball: Rompiendo las reglas”
Steven Zaillian, Aaron Sorkin y Stan Chervin
En una noche en la que el número de nominaciones podría ayudar a La invención de Hugo a hacerse con el Oscar al mejor guión adaptado o las alabanzas críticas y la cercanía en el tiempo de su estreno pueden hacer que recaiga en Los descendientes, ¿podrían dos pesos pesados de la talla de Aaron Sorkin (La red social) y Steven Zaillian (La lista de Schindler) dar la sorpresa? Basándose en el libro de Michael Lewis, al que dotó de sentido narrativo Stan Chervin, Zaillian y Sorkin nos regalan una emocionante historia de resistencia ante la adversidad. El positivismo de Sorkin y la sabia estructuración dramática de Zaillian cristalizan en una historia diseñada para que adoren todos los estadounidenses. http://www.sonypictures.com/movies/academy/media/moneyball-screenplay.pdf
FICHA TÉCNICA: Película: Chico & Rita. Dirección: Fernando Trueba, Javier Mariscal y Tono Errando. Países: España y Reino Unido. Año: 2010. Duración: 94 min. Género: Animación, musical, romance. Guion: Fernando Trueba e Ignacio Martínez de Pisón. Producción: Santi Errando, Cristina Huete, Martin Pope y Michael Rose. Música: Bebo Valdés. Montaje: Arnau Quilles. Distribuidora: Buena Vista International Spain. Estreno en España: 25 Febrero 2011. Apta para todos los públicos.
SINOPSIS:
En la Cuba de finales de los años cuarenta, Chico y Rita inician una apasionada historia de amor. Chico es un joven pianista enamorado del jazz y Rita sueña con ser una gran cantante. Desde la noche que el destino los junta en un baile en un club de La Habana, la vida va uniéndoles y separándoles, como a los personajes de un bolero.
Doblaje original: Antonio Banderas (Gato con Botas), Salma Hayek (Kitty Zarpassuaves), Zach Galifianakis (Humpty Dumpty), Billy Bob Thornton (Jack), Amy Sedaris (Jill), Guillermo del Toro (comandante/hombre del bigote), Constance Marie (Imelda). Guion: Tom Wheeler; basado en un argumento de Brian Lynch, Will Davies y Tom Wheeler.
Producción: Joe M. Aguilar y Latifah Ouaou.
Música: Henry Jackman.
Montaje: Eric Dapkewicz.
Dirección artística: Guillaume Aretos.
Distribuidora: Paramount Pictures Spain.
Estreno en USA: 28 Octubre 2011.
Estreno en España: 25 Noviembre 2011.
Calificación por edades: Apta para todos los públicos.
SINOPSIS:
Mucho antes de que conociera a Shrek, el conocido espadachín, amante y fuera de la ley Gato con Botas se convierte en un héroe al emprender una aventura junto a la dura y espabilada Kitty Zarpassuaves y el astuto Humpty Dumpty para salvar a su pueblo. Complicándoles las cosas por el camino están los infames forajidos Jack y Jill, que harán cualquier cosa para que Gato y su banda no lo consigan.
Doblaje original: Jack Black (Po), Dustin Hoffman (Shifu), Angelina Jolie (Tigresa), Gary Oldman (Lord Shen), Seth Rogen (Mantis), Lucy Liu (Víbora), Jackie Chan (Mono), David Cross (Grulla), Jean-Claude Van Damme (Maestro Cocodrilo), Michelle Yeoh (Adivina), Danny McBride (Jefe Lobo), James Hong (señor Ping).
Guion: Jonathan Aibel y Glenn Berger.
Producción: Melissa Cobb.
Música: John Powell y Hans Zimmer.
Montaje: Maryann Brandon y Clare Knight.
Diseño de producción: Raymond Zibach.
Distribuidora: Paramount Pictures Spain.
Estreno en USA: 26 Mayo 2011.
Estreno en España: 17 Junio 2011.
Apta para todos los públicos.
SINOPSIS:
En “Kung Fu Panda 2”, Po está ahora viviendo su sueño como el Guerrero del Dragón, protegiendo el Valle de la Paz junto a sus amigos y sus compañeros maestros del kung fu, Los Cinco Furiosos. Pero su nueva e impresionante vida se encuentra amenazada por la aparición de un villano formidable, Lord Shen, que planea usar un arma secreta imparable para conquistar China y destruir el kung fu. Po deberá buscar en su pasado para descubrir los secretos de su misterioso origen, sólo entonces será capaz de reunir las fuerzas necesarias para vencer.
Doblaje original: Johnny Depp (Rango), Timothy Olyphant (Espíritu del Oeste), Isla Fisher (Habas), Abigail Breslin (Priscilla), Bill Nighy (Veneno Jake), Alfred Molina (Armadillo), Ned Beatty, Ray Winstone (Bill el Malo), Harry Dean Stanton (Baltasar), Stephen Root (Doc, Merrymack), Ian Abercrombie (Ambrose), Claudia Black (Angelique).
Guion: John Logan; basado en un argumento de Gore Verbinski, John Logan y James Ward Byrkit.
Producción: John B. Carls, Graham King y Gore Verbinski.
Música: Hans Zimmer.
Montaje: Craig Wood.
Diseño de producción: Mark McCreery.
Distribuidora: Paramount Pictures Spain.
Estreno en USA: 4 Marzo 2011.
Estreno en España: 4 Marzo 2011.
Apta para todos los públicos.
SINOPSIS:
“Rango” es una comedia de animación y aventuras que lleva a los espectadores a dar un paseo diferente por el Salvaje Oeste. La historia sigue el curioso viaje de transformación de Rango, un camaleón que vive protegido como una mascota familiar común, mientras se enfrenta a una importante crisis de identidad. Después de todo, ¿a qué puedes aspirar cuando tu único objetivo en la vida es camuflarte? Cuando Rango accidentalmente termina en un arenoso y peligroso lugar poblado por las criaturas más astutas y peligrosas del desierto, el lagarto menos valiente descubre de repente la oportunidad de destacar.
Dino es un gato que divide su vida entre dos hogares. De día vive con Zoé, la única hija de Jeanne, una comisaria de policía. De noche, se pasea por los tejados de París con Nico, un avezado ladrón. Jeanne no puede más, no sólo tiene que moderar los ímpetus del intrépido compañero de Dino, autor de varios robos de joyas, sino que también tiene que vigilar el Coloso de Nairobi, una gigantesca estatua codiciada por Víctor Costa, el enemigo público número uno y culpable de la muerte de un policía, marido de Jeanne y padre de Zoé, encerrada desde entonces en un mutismo total. Los sucesos se precipitan la noche en que Zoé sorprende a Costa y su pandilla. Se inicia entonces una persecución hasta los tejados de la catedral de Notre Dame que acaba de madrugada: los personajes se entrecruzan; unas veces se ayudan, otras, se enfrentan.
Qué difícil elección la del Oscar a la mejor fotografía de este año. Cuando uno ya se ha decidido por las bellísimas imágenes de Emmanuel Lubezki en El árbol de la vida, le asaltan las dudas por el complejísimo trabajo de Guillaume Schiffman en The Artist. Y cuando el fiel de la balanza empieza a cambiar de sentido, asaltan la memoria los cielos y las trincheras de Janusz Kaminski en War Horse. Todo ello sin desdeñar la cuidada labor de Bob Richardson en La invención de Hugo y Jeff Cronenweth en Millennium.
EL ARBOL DE LA VIDA
Emmanuel Lubezki.
El mexicano Emmanuel Lubezki es ya uno de los grandes camarógrafos de Hollywood. Desde que obtuvo una inesperada y merecidísima candidatura en 1996 por La princesita, en cada nuevo trabajo Lubezki ha confirmado su talento y su buen hacer. Prueba de ello son otras tres nominaciones a los Oscar por encargos tan dispares como Sleepy Hollow, Hijos de los hombres y El nuevo mundo, la anterior película de Terrence Malick. Filmar a las órdenes de un director con una impronta visual tan marcada como Malick hace que se difícil imaginar con precisión qué parte aporta el realizador y cuál el director de fotografía en esa permanente búsqueda del poema visual. De lo que no cabe duda es de que el impecable uso de la luz y las texturas son cosa de Lubezki, que logra que la cinta sea de una belleza apabullante. De entrada, es el gran favorito del año.
THE ARTIST
Guillaume Schiffman.
Rodar una película en blanco y negro a estas alturas del siglo XXI, en las fechas de la quiebra de la mismísima Kodak, es un quebradero de cabeza. No sólo porque no haya costumbre, sino porque no hay ni películas con la suficiente variedad de sensibilidades para lograr una calidad óptima. Solución: rodar en color y vertirlo a blanco y negro posteriormente. Lo cual supone un segundo problema porque el director de fotografía debe imaginar en qué gama de gris van a quedar finalmente los colores. Y para rematar la faena, la cinta simula estar filmada en 4:3 cuando en realidad parte de un formato panorámico al que digitalmente se le borran los laterales. Pues todos esos inconvenientes han sido superados brillantemente por el francés Guillaume Schiffman, que recibe con The Artist su primera nominación. La última cinta en blanco y negro en llevarse esta estatuilla fue La lista de Schindler hace 19 años.
WAR HORSE (CABALLO DE BATALLA)
Janusz Kaminski.
El polaco Janusz Kaminski entró en contacto con Steven Spielberg cuando el realizador buscaba alguien que fuera capaz de filmar La lista de Schindler con el blanco y negro del expresionismo alemán y la textura de los documentales de la época. El resultado fue tan soberbio que Spielberg ya no ha querido trabajar con otro. Poco a poco, los estilos de uno y otro se han ido acercando y contagiando hasta este War Horse (Caballo de batalla) en la que la colaboración entre ambos ya se ha convertido en simbiosis. Kaminski ha sabido dotar a la película de los colores de los clásicos de los años cuarenta y sacar el máximo partido a las localizaciones de un rodaje que se desarrolla casi íntegramente en exteriores. Especialmente curiosos resultan los guiños que el tándem director-camarógrafo han forjado al clásico entre los clásicos, Lo que el viento se llevó, con una grúa idéntica al dantesco plano de la estación de Atlanta sembrada de cadáveres y heridos, un Tom Hiddleston intencionadamente retratado como Leslie Howard y unos cielos enrojecidos en su epílogo final que bien podrían ser los que se elevan sobre la tierra roja de Tara.
MILLENNIUM (2011)
Jeff Cronenweth.
David Fincher, que ya había trabajado con Jeff Cronenweth en El club de la lucha, volvió a llamarle para La red social: no sólo obtuvo la nominación al Oscar en esta categoría, sino que lograron la mezcla exacta entre esteticismo y funcionalidad. En Millennium lo plástico adquiere mayor relevancia, en la convicción de que las nieves suecas enfríen el relato. El trabajo de Cronenweth es especialmente notable en los exteriores, de blancos purísimos y luz metalizada. Los interiores, por contraste, son cálidos y de pura quietud, desasosegantes. Todas estas hábiles y sutiles decisiones, sin embargo, confieren cierto aire de irrealidad a la cinta, lo cual debe ser percibido como un lastre en un género que siempre crece con la verosimilitud.
LA INVENCIÓN DE HUGO
Robert Richardson.
El veterano Robert Richardson desarrolló buena parte de su carrera ligado a los proyectos de Oliver Stone. Su cámara estuvo en todas sus películas desde Salvador (1986) hasta U-Turn (1997) –es decir, en todas las buenas hasta que llegó el desaguisado–, una colaboración que se tradujo en un Oscar (JFK) y dos nominaciones (Platoon y Nacio el 4 de julio), a las que sumó luego una segunda estatuilla (El aviador) y otras dos candidaturas (Mientras nieva sobre los cedros y Malditos bastardos). De hecho, en los últimos años es frecuente verle trabajar de la mano de Quentin Tarantino y Martin Scorsese. Como, por ejemplo, en La invención de Hugo, donde ha tenido que, por un lado, crear ese ambiente de cuento infantil que domina la primera parte de la cinta y, por otro, reproducir la luz y las texturas de las primitivas cintas de Georges Méliès. Su handicap en esta competición es la gran cantidad de tratamiento digital de la película, que hacen difícil distinguir dónde termina su trabajo y empieza el de los animadores y texturizadores.
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